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Siddhartha Mitter sobre el arte de Cauleen Smith
LOS VISITANTES DE LA BIENAL WHITNEY 2017 recordarán los carteles. Aproximadamente cinco pies de alto por cuatro pies de ancho, colgaban del techo en el vestíbulo del museo y en la galería principal de la exposición. Cada uno presentaba, en un lado, una imagen chillona, como la de un pájaro sangrando en el cielo o un ojo humano atravesado por un lápiz. Del otro lado apareció un texto (mayormente) confrontativo: MI PATOLOGÍA ES TU BENEFICIO; SOY TAN NEGRO QUE TE CIEGO; NO ME QUEDA NADA. Las duras palabras contrastaban con la exuberante belleza de estos objetos: los colores cálidos pintados sobre ricas telas, las lentejuelas y flecos, las frases bordadas en cursiva que los imbuían de inocencia e inmediatez. Y cuando un día los estandartes fueron sacados del museo para ser llevados en procesión, fue con el alegre acompañamiento de espirituales: canciones de libertad.
Es posible que Cauleen Smith no fuera muy conocida por el público en general, o incluso por gran parte del mundo del arte, antes de que sus pancartas y su desfile formaran parte de la Bienal. Pero en la vanguardia negra (los afrofuturistas y activistas comunitarios, los artistas, escritores y teóricos que imaginan formas de vida que se dignifican a sí mismos como sujetos negros y a toda la humanidad) ella es una especie de heroína por la amplitud y generosidad de su trabajo. Muchos todavía la conocen principalmente por su realización cinematográfica, su oficio original, que estudió en UCLA a principios de los años 1990. Su largometraje Drylongso (1998) es un clásico de culto independiente negro, elogiado por la crítica pero difícil de encontrar; Desde entonces ha rodado al menos cuarenta cortometrajes experimentales.
Cauleen Smith, Leave Me for the Crows, 2017, recto\/verso, satin, poly-satin, silk-rayon velvet, metallic thread, polyester fringe, poly-silk tassels, sequins, 78 \u00d7 51 1⁄2\". 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Aunque estas películas se han incluido durante mucho tiempo en exposiciones colectivas, así como en presentaciones individuales como “A Star Is a Seed”, una exposición de 2012 en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, es la ampliación lenta, constante y sincera de su arte práctica que ahora está surgiendo a la vista, una práctica que abarca imágenes en movimiento, instalaciones, textiles, dibujos y performances que funcionan como reuniones comunitarias. Una exposición de trabajos recientes en múltiples medios, “Give It or Leave It”, se originó el otoño pasado en el Instituto de Arte Contemporáneo de Filadelfia, viajó al ICA de la Universidad Virginia Commonwealth y está en camino al Museo de Arte Frye en Seattle. antes de dirigirse al Museo de Arte del Condado de Los Ángeles. Esa iteración será un regreso a casa: Smith vive en Los Ángeles y enseña en CalArts. Mientras tanto, este mes se estrena en MASS MOCA otro espectáculo importante, “Ya tenemos lo que necesitamos”, que reúne trabajos recientes con varias películas anteriores.
Smith nació en Riverside, California, en 1967, pero creció en Sacramento. Estudiaba cine en la Universidad Estatal de San Francisco en una época en la que el Área de la Bahía, que había generado corrientes clave del Movimiento de las Artes Negras y la política nacionalista, todavía era un reducto de la bohemia negra. Los padres de Smith son trabajadores sociales que se mudaron a la costa oeste desde su Tennessee natal. En Sacramento, compraron una casa de Joseph Eichler, una residencia en una de las subdivisiones modernistas que el desarrollador distribuyó por California. Por principio, Eichler rechazó la discriminación racial que prevalecía entonces en las transacciones inmobiliarias y, como resultado, Smith creció en una comunidad diversa; recuerda una pareja gay que vivía calle abajo y muchos de sus amigos eran asiático-americanos. En California, el padre de Smith se interesó por el bonsái y se convirtió en un maestro del oficio, junto con el suiseki, el arte japonés en el que los conocedores van en busca de rocas con formas felices. Ella aprecia las rocas de campeonato montadas en pedestales que él le ha regalado (bulbosas, dentadas, cavernosas), aunque se regaña a sí misma por no exhibirlas adecuadamente. Cuando la conocí en su estudio, me mostró una copia de Wabi-Sabi para artistas, diseñadores, poetas y filósofos, el libro de Leonard Koren de 1994 sobre la estética japonesa de "las cosas imperfectas, impermanentes e incompletas".
La colocación intencional de objetos es parte del arte de Smith. Un formato que ha perfeccionado en los últimos años (empleado en varias obras de sus exposiciones actuales) implica seleccionar elementos que tengan un significado personal o simbólico y organizarlos cuidadosamente sobre una mesa. También sobre la mesa hay monitores que reproducen secuencias de video, tanto las suyas como las encontradas, y cámaras de circuito cerrado que capturan las imágenes en movimiento, así como los objetos, y luego lo proyectan todo en una pared.
Epistrofia, 2018, por ejemplo, que toma prestado su título de una composición de Thelonious Monk, presenta cuatro monitores colocados en ángulo recto en el centro de una mesa redonda. Las pistas de vídeo atraviesan varios paisajes: un ferrocarril en el desierto; árboles en flor, vistos de cerca; las colinas de Los Ángeles al anochecer; pasajeros de un autobús en Kenia; vigas ferroviarias elevadas en una ciudad, tal vez Chicago; formaciones de nubes; La curva de la Tierra vista desde el espacio. Sobre la mesa, Smith esparció libros, pulseras, piedras, plantas, muñecos y un cuervo disecado sobre un pedestal. Colocó estatuillas africanas ante la mira de las cámaras. Las cuatro proyecciones aparecen entonces en una pared, ligeramente superpuestas, con las estatuillas en silueta, de pie como centinelas impasibles mientras el paisaje pasa rápidamente. En un nivel, la obra es inmersiva (las imágenes llenan la habitación como un caleidoscopio), pero la mesa se registra como un altar: cada elemento es sacro. Es una experiencia telescópica, asombrosamente íntima, que sugiere, tal vez, cómo podemos hacer que los espacios tengan significado para nosotros en este mundo inestable.
Una fuerza animadora en el trabajo de Smith es el feminismo negro (sus genealogías, sus formas de ver y ser) y su evolución como artista ha estado guiada por su espíritu. Muchos de los libros que aparecen en “BLK FMNNST Loaner Library 1989–2019”, 2019, una nueva serie de treinta obras de gouache y grafito realizadas en papel negro tamaño carta, provienen de esa corriente. Cada dibujo representa una obra literaria querida para ella, ofrecida por una mano negra: Lose Your Mother, de Saidiya Hartman; El origen de los demás, de Toni Morrison; Aterriza para encender la luz, de Dionne Brand. Pero también incluye una obra del novelista francés Georges Perec, otra del líder tanzano Julius Nyerere y una guía de flores silvestres del desierto de California. Smith hizo una serie similar en 2015, rápidamente y en papel blanco endeble, enfatizando los clásicos del pensamiento político negro; Lo pretendía como un gesto de solidaridad y de gentil tutoría para los jóvenes activistas de Black Lives Matter en Chicago. Titulada “Lista de lectura Human_3.0”, se exhibió más tarde en el Instituto de Arte de Chicago. La nueva serie es, en palabras del propio Smith, menos didáctica que “Human_3.0”: no es un programa de estudios, sino un catálogo de influencias y afectos.
Las políticas de Smith son serias, pero aún más fundamental para su perspectiva es una ética del cuidado, tanto de uno mismo como de los demás. En Drylongso, rodada en Oakland y terminada en 1998, dos mujeres jóvenes, unidas por un incidente casual, se preocupan lo mejor que pueden la una por la otra y por la comunidad. Pica (Toby Smith) está arruinada, está en la escuela de arte y vive con su madre disfuncional. Tobi (April Barnett) está mejor, pero está siendo acosada por un exnovio violento. Mientras tanto, un asesino ha estado deambulando por las calles, atacando a hombres y mujeres; sin embargo, los activistas, encarnados por Malik, el amigo de Pica, una figura trágica, se centran en las muchas amenazas de la sociedad a los hombres negros, considerados una “especie en peligro de extinción”. Lo que Smith lamenta respecto a Drylongso es que no pudo evitar las interpretaciones masculinistas de la historia, que redujeron a sus protagonistas femeninas (y por ende a ella misma) a ser ayudadas ideales. "La gente pensaba que la película trataba sobre hombres negros", me dijo Smith. “En ese momento, ese era todo el discurso. Es más fácil ver la película ahora según lo que pretendía porque ahora hay un lenguaje para ella”.
Incluso si ella no lo sabía entonces, Smith estaba contribuyendo a construir ese lenguaje. A Pica le gusta caminar por las calles tomando fotografías Polaroid de extraños, con quienes comparte las impresiones; ella es una suplente de Smith, quien una vez hizo lo mismo. El personaje se está quedando atrás en su curso de fotografía. Ella falta a clases; insiste en utilizar la Polaroid en lugar de una cámara más profesional; se demora en la exposición de su tesis porque el formato la aburre. Al final, organiza su exposición como un jardín de esculturas emergente para la comunidad en un terreno baldío cubierto de maleza. Las Polaroid, algunas de ellas en homenaje a los caídos, adornan fantásticas esculturas de materiales encontrados y reutilizados. Al ver la película ahora, uno tiene la extraña sensación de que Smith estaba anunciando sus futuros movimientos a través de las decisiones instintivas de Pica en su búsqueda de autonomía.
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Drylongso fue seleccionado para el Festival de Cine de Sundance en 1999 y ganó premios en SXSW y el Festival de Cine Urbanworld, pero no recibió tracción comercial. Al igual que Julie Dash, directora de Daughters of the Dust (1991), Smith descubrió que Hollywood tenía poco interés en su sensibilidad feminista negra. Pasó varios años escribiendo guiones fantasma y promocionando sus propias películas sin éxito, antes de dejar Los Ángeles en 2001 para su primer trabajo docente en la Universidad de Texas en Austin. Hasta el día de hoy, dice que no ve películas excepto en aviones, pero su trabajo en cine experimental, una práctica que había comenzado antes de Drylongso, continúa.
En Austin, Smith se interesó en presentar películas dentro de museos y galerías. Se sintió galvanizada por las conversaciones con los curadores, a quienes encontró mucho más abiertos que sus antiguos interlocutores en la industria cinematográfica, y guiadas por el artista de video y performance Michael Smith, un colega de alto rango en su departamento que la tomó bajo su protección. Quiero ver mi falda, 2006, que dura diecisiete minutos, fue la tercera película que hizo como parte de una instalación. Se trata de un pastel de capas formal inspirado en un conjunto de fotografías del maestro maliense Malick Sidibé. Smith pidió al poeta A. Van Jordan que escribiera textos basados en estas imágenes, que luego tradujo al francés y leyó en voz alta para que sirvieran de narración de la película. Filmada en Texas en lugares que parecen notablemente africanos occidentales, desde los puestos de madera de las tiendas hasta el terreno polvoriento, la película de Smith reescenifica las fotografías y construye una historia a partir de ellas. En una escena, basada en la imagen de Sidibé de un hombre y una mujer jóvenes posando juguetonamente sobre montones de piedras junto al río Níger, los protagonistas de Smith se lanzan pufs entre sí, que se acumulan en el suelo. Smith me dijo que su interés por la instalación surgió de la sensación de que sus accesorios cinematográficos merecían usos adicionales: que de alguna manera exigían salir de la pantalla. Cuando el trabajo se mostró en diciembre de 2006 en el sitio de pruebas del lugar de arte de Austin, Smith lo instaló junto a una enorme pila de pufs, muchos de los cuales regaló. Ella está repitiendo esta pieza para el show MASS MOCA, nuevamente con mil pufs hechos a mano con tela africana estampada en cera.
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Otro momento formativo para Smith fue una estancia de un mes en Nueva Orleans en 2008, donde fue invitada por el artista Paul Chan a participar en una serie de proyectos posteriores a Katrina. Si bien los trastornos culturales y económicos que siguieron al huracán eran evidentes para ella, no tenía la carga de ira o tristeza personal derivada de conocer la ciudad antes de la tormenta. The Fullness of Time, 2008, de cuarenta y ocho minutos de Smith, es, en sus palabras, una “reflexión de ciencia ficción sobre el espacio, el lugar y el estrés postraumático”. Es una visión clara del capitalismo del desastre, pero se aleja del pesimismo o la distopía. Imágenes de inundaciones, destrucción y personajes a la deriva dan paso tanto a lo que preexistió a Katrina como a lo que también sobrevive: los indios del Mardi Gras, los servicios religiosos y la presencia de la música, que aumenta hasta que los sonidos del jazz saturan la película. Al regresar a Nueva Orleans en 2014, hizo un corto, HELLO (2014), que comprende una serie de tomas en las que un solo músico improvisa a partir del leitmotiv sonoro de cinco notas de John Williams para Close Encounters of the Third Kind (1977). Siempre interesado en la ciencia ficción, Smith une aquí imaginaciones audaces, incluso imposibles, del futuro y la historia del jazz, que se remonta a África. La película ejemplifica el espíritu de “Ancient to the Future”, el mantra de la vanguardista Asociación para el Avance de los Músicos Creativos (AACM), cuya música creció escuchando en la casa de su familia.
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Smith atribuye su uso de la procesión a la cultura del desfile de Nueva Orleans y a la textura de la vida comunitaria negra. Sintió la resonancia de esa cultura también en Chicago, destino emblemático de la Gran Migración, cuando realizó una residencia en Threewalls en 2010; un año después, se mudó allí. Su trabajo inicial en Chicago se centró en Sun Ra, el gran director de orquesta y místico que formó su Arkestra en la ciudad en la década de 1950, después de haber emigrado de Alabama después de la guerra. Sun Ra, precursor e influencia vital en la AACM, declaró que provenía de Saturno y miró desde el antiguo Egipto hasta el espacio exterior en busca de alternativas a los sistemas de conocimiento eurocéntricos. Más allá de las formas de la música, los trajes salvajes y las actuaciones, su arte funcionó como un medio para alcanzar la libertad, desde la autodeterminación económica (compartió una casa con sus músicos y fundó su propio sello discográfico) hasta una afirmación más profunda de la libertad de los negros. pensamiento.
Smith hizo varias películas en homenaje a Sun Ra, siguiendo los pasos del líder de la banda, filmando pasajes meditativos en el paisaje urbano de Chicago y superponiendo música de él y de otros, así como audio de entrevistas con personas que recordaban su tiempo allí. Una de estas películas, Black Utopia LP (2011–), viene con un álbum independiente de entrevistas y rarezas del estudio Sun Ra. En otro, The Way Out Is the Way Two (14 cortometrajes) (2010-2012), un par de humanoides extraterrestres con cabello naranja ardiente y vestidos con trajes negros se mueven por la ciudad en busca de música que los alimente. Mientras estuvo en Chicago, Smith también organizó una serie de eventos flash-mob en los que bandas de música negras tocaron la música de Sun Ra sin previo aviso en espacios públicos. Space Is the Place (A March for Sun Ra) (2010) documenta la primera intervención de este tipo y presenta a los músicos de Rich South High School irrumpiendo en una plaza comercial en el barrio chino de Chicago mientras interpretan la melodía más famosa del visionario, "Space Is the Place". .” Al negarse a solicitar permiso municipal para estos eventos, Smith anunció un reclamo comunitario previo a la ciudad como paisaje compartido y dominio psíquico. En el proceso, su propio trabajo adquirió otra dimensión: ya no filmaba simplemente la ciudad; ella lo activó.
Estos años también coincidieron con el surgimiento del movimiento nacional Black Lives Matter, que galvanizó el trabajo en curso de los organizadores locales en Chicago que luchaban contra la violencia armada y el departamento de policía plagado de escándalos. Las mujeres negras, en particular, encabezaron estos esfuerzos. La cultura de protesta, con sus aspectos performativos, procesiones y mensajes visuales, impulsó a Smith a contribuir al trabajo y al mismo tiempo ampliar sus intereses. "Los manifestantes siempre hacen pancartas preciosas", me dijo. “¿Y si lo hiciera como si fuera para siempre? No se trata de poder, se trata de mantener el espacio indefinidamente. Futuro y pasado, quieres conservar todo eso. Quieres celebrar, quieres protestar, quieres hacerlo todo a la vez”. Algunas de sus pancartas son heráldicas y autoritarias, como en la Bienal de 2017; otros son conectivos, pensados para que dos personas los sostengan y transmiten mensajes más cálidos como TE AGRADEZCO DE ANTEMANO.
Las que exhibió en la Bienal se titulan colectivamente "In the Wake", en honor al libro In the Wake: On Blackness and Being (2016), de la académica Christina Sharpe, quien teoriza el "estela", en todo su carácter marítimo, fúnebre, y significados cognitivos, como un marco para comprender y representar la existencia negra en un mundo anti-negro. Es un concepto pesado, necesariamente, que deriva su metáfora original del barco de esclavos. Pero lo que Sharpe llama “trabajo de vigilia” no es simplemente duelo. Más bien, escribe, es el esfuerzo por “imaginar nuevas formas de vivir después de la esclavitud, en el más allá de la esclavitud, de sobrevivir (y más) en el más allá de la propiedad”. Dentro de esos paréntesis se encuentra la posibilidad. "Estoy tratando de encontrar el lenguaje para este trabajo, encontrar la forma para este trabajo", escribe Sharpe. Las pancartas de Smith proponen una de esas formas.
En Sojourner (2018), la última película de Smith y quizás la más hermosa, seis pancartas, hechas de vinilo naranja translúcido, sobre las cuales están cosidas letras en diferentes colores de terciopelo que absorbe la luz, reaparecen en múltiples ubicaciones. Juntos, deletrean palabras de un texto de Alice Coltrane, conocida en su vida espiritual como Swamini Turiyasangitananda, en el que relata una revelación divina: “Al amanecer, siéntate a los pies de la acción. Al mediodía, estarás en manos del poder. Al atardecer, sé tan grande que el cielo aprenderá cielo”. De un lugar a otro, la película toca a un grupo de figuras inconformistas y profundamente humanas, de diferentes lugares y épocas, entre las cuales Smith ha discernido conexiones. Uno es Coltrane; otra es Rebecca Cox Jackson, la mística del siglo XIX, que vivió con los Shakers en el norte del estado de Nueva York y fundó una comunidad Black Shaker en Filadelfia. Un tercero es Noah Purifoy, el artista del ensamblaje, que se retiró tarde al desierto de California y construyó allí un extraordinario museo al aire libre de esculturas y edificios con materiales encontrados.
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Vemos las pancartas naranjas en una protesta en Chicago, donde habla la activista Dra. Barbara Ransby. En California, los llevan por la playa y hasta las Watts Towers, que el artista Simon Rodia legó a la comunidad. A mitad de la película de veintidós minutos, la acción se instala en el yacimiento de Purifoy. Doce mujeres con coloridos trajes bohemios caminan con pancartas entre las esculturas, las letras proyectan fuertes sombras en la luz del desierto. Más tarde, las mujeres se sientan en sillas plegables frente a una radio de transistores y escuchan una sección de la Declaración Colectiva del Río Combahee, el manifiesto feminista negro emitido en 1977. La sección culmina de esta manera: “Rechazamos los pedestales, la realeza y caminar diez pasos detrás de nosotros”. . Ser reconocido como humano, niveladamente humano, es suficiente”. La música de Alice Coltrane aumenta antes de un cuadro final.
Considerando cuán multifacética ha sido la obra de Smith hasta ahora, Sojourner es una síntesis notable: aquí está Pica, en espíritu, en su improvisado jardín de esculturas; aquí hay lugares donde ha vivido Smith; Aquí están las ideas y técnicas que adquirió a lo largo del camino. El reconocimiento que Smith ha recibido últimamente reconoce el nivel de dominio que ha alcanzado, pero también sugiere que el mundo finalmente está en su longitud de onda, sintonizándose con las mismas señales a través de la estática. Su trabajo hace mucho tiempo que se escapó de las cadenas de la categoría. Su mensaje es de cuidado y reciprocidad, intención e improvisación, por el arte y por la vida.
Siddhartha Mitter escribe sobre arte contemporáneo y cuestiones culturales.